El término que mejor abarca la creación de una multitud de géneros y subgéneros centrado en el uso de la tecnología es “beatmaking”. Esta tradición musical tiene sus raíces en el desarrollo temprano de la cultura Hip Hop en Nueva York a lo largo de los años setenta y principios de los ochenta. En pocas palabras, su aparición se puede asociar con el proceso en el que la música Hip Hop evolucionó desde los tocadiscos del DJ hasta el estudio (a menudo en casa llamándolo Home Studio). 

A finales de la década de 1970, los DJs de Hip Hop tocaban los “breaks” de la música disco, el funk y otros discos de un lado a otro entre dos tocadiscos para hacer un bucle y extender la parte más bailable de las canciones. La introducción de las cajas de ritmos electrónicas (drum machines) permitió a los artistas componer sus propios patrones de batería en bucle, mientras que la llegada de samplers digitales semi-asequibles les permitió crear ritmos múltiples mediante la superposición de una variedad de fragmentos de sonido muestreados. Estos dispositivos, y otros que siguieron, han llegado a definir los elementos musicales de la cultura Hip Hop, junto con una multitud de otros géneros. 

Quienes utilizan estos dispositivos se han hecho conocidos como beatmakers (creadores de ritmos) o, a veces, productores. Este artículo se referirá a estos dispositivos utilizando el término EMPI “un acrónimo (pronunciado: em-pee) que significa Instrumento de producción de música electrónica”.

La singularidad de la cultura y la tradición del beatmaking es reconocible de 2 maneras importantes. Primero, mientras que otras culturas o géneros de música popular estaban incorporando EMPI en esta época (piense en sintetizadores en metal, así como en rock progresivo, psicodélico y Kraut), Hip Hop fue (posiblemente) el primer género en centrar la tecnología musical como la herramienta principal para la interpretación y la composición. Esto ha llevado a una práctica musical distinta, con su propia tradición. En segundo lugar, y lo más importante, el Hip Hop es una cultura afroamericana. Aunque se desarrolló en Occidente, surgió de comunidades afroamericanas.

Los beatmakers (creadores de ritmos en la comunidad Hip Hop) han sido durante mucho tiempo notablemente multiculturales, “todos los productores, independientemente de la raza, hacen Hip Hop afroamericano. Según las cifras de descargas digitales y streaming, el Hip Hop es el género musical más popular del mundo (2015). Sin embargo, la tradición de hacer ritmos, el beatmaking, ha permanecido en gran parte ausente en los conservatorios. Los académicos han argumentado que esto se relaciona tanto con el hecho de que sus prácticas desafían la narrativa dominante de la excelencia musical occidental, como porque es una forma de arte negra. Para convertirse en un beatmaker respetado se requieren años de aprendizaje dedicado y desarrollo de habilidades, y los estándares dentro de la comunidad pueden ser inflexibles. Es una artesanía que requiere un estudio serio y largas horas de práctica para dominar las complejas convenciones musicales y el equipo técnico, y (a pesar de un número creciente de cursos centrados en la industria) quizás lo más notable que sigue siendo un oficio que prefiere, y posiblemente se basa en, ser autodidacta.

La diversificación de las culturas beatMaking

La cultura beatmaking también es significativa por el impacto que ha tenido en otras formas de hacer música. Junto con su creciente ubicuidad entre casi todas las formas de la música pop convencional, la tradición del Hip Hop de hacer ritmos fue fundamental en el surgimiento de innumerables géneros y subgéneros asociados. Si bien proporcionar una descripción completa de esta diversificación no es el enfoque de este artículo ni está dentro de su alcance, es posible trazar un rumbo aproximado durante los últimos 40 años.

La variación comenzó con varios estilos tempranos que crecieron tanto en torno a la cultura Hip Hop como al uso de los primeros EMPI. Esto incluía electro-funk (más tarde abreviado como electro), un estilo de Hip Hop que centraba el sonido electrónico de las primeras cajas de ritmos y sintetizadores en lugar del sonido más orgánico de las muestras o samples de discos. Fink en el 2005 citó al pionero del Hip Hop, Afrika Bambaataaa cuando dijo que la electro engendró rápidamente “al menos seis géneros de música dance” incluidos Miami Bass, Latin freestyle y hip-house. 

También formó su propio género distintivo a lo largo de la década de 1980 y ha evolucionado junto con otros estilos de música dance en la década actual con muchos de sus propios subgéneros electrocéntricos, incluidos electro-dub, electro-break y electro-house. En la época en que Afrika Bambaataa estaba creando electro, la música house estaba emergiendo en Chicago, el techno en Detroit y el garage en Nueva York. Los tres influenciados por Hip Hop temprano, así como canciones del disco como Donna Summer “I Feel Love”, y Kraftwerk’ s álbum ‘Trans-Europe Express’. 

A medida que estos estilos se extendieron por el Reino Unido y Europa continental a principios de la década de 1980, varios géneros crecieron a partir de su mezcla con estilos locales de dub y ragga (importados de la escena reggae y dancehall de Jamaica). Esto incluía hardcore, acid techno, gabba, trance, jungle y más tarde, drum and bass.

Los vínculos entre el Hip Hop y estilos posteriores como el jungle y el drum and bass (que son ampliamente considerados formas artísticas del Reino Unido) indican la influencia perdurable de la creación de ritmos del Hip Hop en este contexto. Aunque se considera distinto del Hip Hop, tanto el jungle como el drum and bass temprano también se enfocaron en usar los “breaks” favorecidos por los primeros DJ’s de Hip Hop y usaron las mismas técnicas de muestreo (y a menudo los mismos samples) para crear su música. También involucraron a MC (o raperos) y miembros tanto de Hip Hop como de batería y bajo.

Estas primeras escenas dieron origen a la cultura rave global y a una gran cantidad de géneros y subgéneros subsiguientes, una diversidad que se formó a lo largo de líneas musicales y políticas, y posiblemente sin paralelo en cualquier otra tradición musical (McLeod, 2001), Que a menudo se agrupan hoy en día bajo el término general de música electrónica de baile (EDM). Artistas como Fatboy Slim, The Chemical Brothers y Daft Punk llevaron la música dance de los clubes y almacenes a las principales arenas de rock y radio a lo largo de la década de 1990, allanando el camino para los DJ superestrellas de hoy que continúan agotando estadios (piense en Tiësto , David Guetta, Avicci y Skrillex).

Los compositores electrónicos pop innovadores utilizan pulsos constantes, estructuras basadas en bucles y tiempos 4/4 como vehículo para una amplia gama de ideas e innovaciones compositivas. Los cambios de tempo, subdivisión, manipulación sónica y estructuras de cuantificación complejas están haciendo de la ciencia del ritmo o el beat, el nuevo jazz del siglo XXI. De la misma forma en que los solistas de jazz se escucharon entre sí e incorporaron los cosas pde los demás en sus propios solos, los beatmakers de todo el mundo escuchan y aprenden unos de otros a través de Internet, discos de vinilos, de mp3 , CDR e Internet. El arte de impulsar un nuevo estilo de ritmo es muy refinado; en un momento dado se están practicando y desarrollando muchos estilos junto con la formación de nuevos híbridos y la aparición constante de nuevos géneros.

Estos estilos híbridos continúan ciclando e interactuando con la cultura Hip Hop. Estilos como el dubstep (considerado una forma de música de baile) y el trap se fusionan en torno a tempos y estructuras de ritmo similares, así como el uso continuo de los primeros sonidos de la caja de ritmos, el muestreo digital y las técnicas de creación de ritmos de la tradición Hip Hop. Si bien estos géneros mantienen escenas subterráneas dedicadas, también son ampliamente aceptados.

Una tipología de equipos para hacer ritmos

La gama y el número de EMPI disponibles en la actualidad son casi tan diversos como las culturas musicales que los utilizan. Sin embargo, es posible identificar una tipología de dispositivos, instrumentos y funciones que han desempeñado un papel clave en la definición de diferentes tradiciones musicales y que también siguen siendo los componentes básicos de los EMPI contemporáneos.

El tocadiscos o tornamesa

Si bien es posible que muchos no lo consideren un EMPI, el tocadiscos ha jugado un papel importante en la creación de ritmos históricos y sigue siendo fundamental para la creación de ritmos culturales. Los tocadiscos fueron la primera pieza de tecnología utilizada por los primeros DJs de Hip Hop, house y techno para manipular los sonidos, especialmente para los “descansos” (breaks) en bucle. Su papel como instrumento de interpretación en vivo se amplió con el arte del scratch, una técnica acreditada al Grand Wizard Theodore del Bronx. Al empujar el disco hacia adelante y hacia atrás en el tocadiscos con los dedos, los DJ crean un sonido similar a un chirrido que se puede usar para formar frases de percusión, rítmicas e incluso melódicas. Usando el “crossfader” de un mezclador de sonido, literalmente, un fader de volumen inventado por el pionero Hip Hop DJ, Grandmaster Flash, para mezclar entre dos fuentes de sonido, los DJs también pueden “cortar” este sonido. para agregar más complejidad rítmica. Esto se convirtió en la tradición del “turntablism”, dentro del Hip Hop, donde los DJ utilizan un mezclador y dos o más tocadiscos para crear rutinas de interpretación complejas.

El acto de pinchar con 2 tocadiscos y un mezclador no solo “jugó un papel fundamental en la configuración de la producción musical y las prácticas de interpretación del Hip Hop, así como la estética cultural en general”, también ha sido fundamental para preservar la cultura. Fundamental para todas las culturas basadas en ritmos, el atractivo de pinchar con vinilo sigue siendo fuerte, y los puristas todavía lo prefieren a otros formatos de pinchar.

Probablemente la razón más importante de su éxito sea su inmediatez física. La mano descansa cómodamente sobre la superficie ranurada y ligeramente pegajosa del disco. Esa capacidad táctil es de enorme importancia para los DJ, que a menudo se expresan elocuentemente sobre la sensación inimitable del vinilo. Al empujar un disco debajo de la aguja de un tocadiscos, transformando la música contenida en sus surcos, uno tiene la sensación de tocar el sonido. Rascar un disco no es muy diferente de tocar instrumentos tradicionales que usan la fricción para crear sus sonidos.

Los tocadiscos ahora a menudo se reemplazan con tecnología como los CDJ, o “controladores”, que utilizan platos para representar las superficies del tocadiscos y permiten a los DJ manipular música en CD o archivos digitales como MP3 de la misma manera que se manipulan los registros. Algunos controladores más nuevos están aún más reducidos y utilizan botones para activar una canción o muestras, generalmente en un punto predefinido o “punto de referencia” en la canción.

Drum Machine, el secuenciador por pasos de la caja de ritmos

El lanzamiento de la caja de ritmos TR-808 por parte de Roland Corporation en 1980 marcó un punto de inflexión en la historia de los beats. Funcionalmente, este EMPI permite que un beatmaker programe un bucle rítmico de 16 “pasos”, generalmente haciendo un patrón de un compás de semicorcheas (dependiendo de la configuración). Para cada uno de estos 16 pasos, un beatmaker puede ingresar un sonido de batería o “golpe” para crear un patrón. Esto podría repetirse hasta para 12 sonidos de batería, o “instrumentos”, para un solo patrón para crear ritmos de varias capas que se pueden reproducir en un bucle sin fin.

Originalmente creado como una alternativa a un baterista acústico, el TR-808 fracasó comercialmente y la producción cesó en 1983. Sin embargo, los artistas de Hip Hop tomaron los sonidos sintéticos (particularmente el subgrave de baja frecuencia) y la capacidad de extender loops, y se convirtió en la herramienta preferida de la comunidad. Más allá del Hip Hop, también ha tenido un impacto profundo y duradero en la música popular. Ahora tiene un estatus de culto, y sus sonidos originales siguen siendo de amplio uso en la actualidad, especialmente en la música trap.

El 808 también representa un formato duradero en la creación de ritmos. El diseño del secuenciador de 16 pasos se ha recreado en muchas cajas de ritmos desde entonces. Esto incluye el Roland TR-909 (creado en 1983 y acreditado por el “sonido” del techno) que agregó conexiones MIDI, lo que permite a los creadores de ritmos conectarlo con otros EMPI con secuenciadores integrados y reproducirlos en el tiempo juntos. Este se convirtió en un formato predeterminado para muchos intérpretes de música electrónica, permitiéndoles tocar sets en vivo al vincular diferentes instrumentos a través de MIDI, incluidos sintetizadores y samplers, para tocar diferentes partes de una canción. Este formato de secuenciador por pasos se ha mantenido como un pilar en el mundo EMPI y se puede encontrar en numerosos hardware.

Lightstone ( 2012 ) explicó cómo las cajas de ritmos secuenciadas podrían ser particularmente útiles para crear experiencias musicales basadas en ritmos que fomenten la comodidad, el movimiento, el disfrute y la aceptación social en la musicoterapia. Basándose en su experiencia al facilitar sesiones de Hip Hop con jóvenes, sostuvo, “el marco musical familiar y los timbres que proporciona [una caja de ritmos] son ​​potencialmente liberadores, porque la comodidad y la familiaridad que brinda permiten una música rítmicamente intensa, reafirmante y expresiva”. Estos ritmos programados se pueden utilizar para escribir canciones o como base sobre la que improvisar.

El sintetizador

El primer sintetizador se remonta a la ingeniera eléctrica, Alisha Gray, quien en 1876 (un año antes de que Edison creara el fonógrafo) creó el primer oscilador de una sola nota. Las iteraciones posteriores fueron de uso popular en la década de 1970 y están tan ampliamente disponibles que aquí se necesita poca explicación. Lo que es de destacar es que son un pilar en muchas culturas de creación de ritmos, muchas de las cuales usan sintetizadores exclusivamente para crear todos los sonidos utilizados en las composiciones y la interpretación (a menudo incluida la percusión), excluyendo todos los instrumentos acústicos. Algunos sintetizadores también han asumido el papel de determinados instrumentos. Por ejemplo, el sintetizador Roland TB-303 ha sido llamado la “guitarra eléctrica” ​​de la música dance por el productor y académico australiano Haberfield (AKA Honeysmack), dado su sonido distintivo y la profundidad y amplitud de su influencia en la música dance. Otros sintetizadores son conocidos por sus sonidos de bajo o “solistas” y los creadores y productores de ritmos se han hecho famosos por la forma en que esculpen o dan forma a sus propios sonidos únicos. Esto ha llevado a una amplia gama de sintetizadores sofisticados que pueden reproducir una gama de sonidos posiblemente ilimitada, incluidas reproducciones increíblemente realistas de instrumentos acústicos, como cuerdas y metales.

La mayoría de los sintetizadores (físicos o virtuales) se tocan con un teclado, pero muchos también se pueden programar usando un secuenciador por pasos integrado similar al que se usa en el TR-808 y, por lo tanto, se pueden vincular entre sí usando MIDI para tocar en tiempo con otros EMPI. . Algunos son módulos de sonido independientes y deben conectarse a una fuente de control externa (es decir, un teclado o un secuenciador MIDI). Si bien hay muchas versiones de hardware todavía en producción, hay miles de sintetizadores de software disponibles.

También ha crecido una cultura global específicamente en torno a los sintetizadores. Hay muchos sintetizadores boutique, personalizados y de edición limitada. Los usuarios también pueden personalizar sus propios sintetizadores, o construirlos desde cero, utilizando una amplia gama de kits de bricolaje disponibles en el mercado. Los sintetizadores brindan a los clientes acceso a una variedad casi innumerable de sonidos texturizados.

Sample Pad

Si bien a menudo es controvertido por razones de derechos de autor, el arte del sampling o sampleo es una característica definitoria de muchas culturas de creación de ritmos (incluido el Hip Hop y el drum and bass) y es una práctica que a menudo está vinculada a reglas estrictas, ética y convenciones dentro de estas culturas. Los primeros muestreadores digitales eran prohibitivamente caros, pero cuando estuvieron disponibles muestreadores más asequibles (aunque todavía caros) como el SP-12 de E-mu Systems Inc., los beatmakers Hip Hop pudieron muestrear (samplear) y reorganizar secciones de sus discos favoritos (así como programas de televisión y películas) para hacer sus propias composiciones.

Sin embargo, podría decirse que los samplers que más definieron la cultura beatmaking fueron las series MPC (Music Production Center) de Akai. Los creadores de ritmos podían cargar los sonidos que quisieran en su diseño característico de 16 pads, reproduciendo las muestras de forma rítmica con los dedos. Esto a menudo implicaba grabar segmentos de vinilo y “cortarlos” hasta obtener muestras del tamaño de un bocado que podían colocarse en diferentes pads y luego reajustarse, reorganizarse y superponerse para crear composiciones originales. Esto se convirtió en el sello distintivo del beatmaking Hip Hop a finales de los años 80 y 90, y sigue siendo el EMPI elegido por muchos productores de Hip Hop. También llevó a la práctica de “tocar con los dedos”, donde los beatmakers usan sus dedos para tocar canciones enteras usando los pads tanto para la composición como para la interpretación.

La capacidad de “interpretar” o tocar un MPC (o EMPI basados ​​en pads similares) como un instrumento es significativa y ampliamente reconocida. El creador, Roger Linn ( 1994 ), reconoció esto explícitamente en el manual del usuario del MPC3000: “Me gusta pensar en el MPC3000 como el piano o violín de nuestro tiempo, y en usted como un MPC3000ist”. El virtuoso de MPC, el difunto J Dilla, encarnó este ideal. Acreditado por “humanizar” al MPC, su estilo de tocar y programar ritmos no solo es un punto de referencia para los creadores de ritmos, sino que también ha influido en la técnica y la estética de los bateristas en vivo y otras formas de maestría musical acústica.

Este diseño de Sample Pad se puede encontrar en muchos EMPI actuales, tanto en forma de hardware como en controladores MIDI conectados a computadoras. Esto incluye controladores MIDI como la interfaz “Push” de Ableton y el “Launchpad” de Novation, los cuales han expandido el diseño de 16 pads a una cuadrícula de 64 pads. El enfoque de ejecución / producción de pad de muestra ahora se utiliza ampliamente en todos los estilos de creación de ritmos, incluidos géneros más orientados a la danza como Dubstep (consulte “Controladores” a continuación para obtener más información sobre el uso de controladores de pad de muestra en la producción y / o interpretación).

Estaciones de trabajo de audio digital (DAW)

A medida que las computadoras se volvieron más poderosas y asequibles a lo largo de las décadas de 1980 y 1990, varias soluciones de software estuvieron disponibles para los fabricantes de equipos. En particular, esto incluyó la estación de trabajo de audio digital, o DAW, que evolucionó para constituir un estudio completo en una computadora. Estos permitieron a los beatmakers no solo grabar instrumentos externos y voces en múltiples pistas de audio, sino también programar secuencias MIDI para reproducir EMPI externos, como sintetizadores y samplers, así como versiones de software internas. Estos EMPI de software estuvieron disponibles en una gama de VST (Tecnología de software virtual), que incluía tanto instrumentos como efectos y herramientas de masterización que podían añadirse a un DAW de su elección y permitían a los beatmakers crear composiciones complejas en sus propios estudios caseros. Para algunos beatmakers, los DAW sirven como un EMPI, donde los ritmos se pueden hacer completamente con la computadora usando el mouse y el teclado de la computadora.

Garageband de Apple es un DAW de nivel de entrada común. Más DAW estándar de la industria, como Logic Pro, Ableton Live y Pro Tools, son más flexibles y se usan comúnmente en estudios domésticos y profesionales. Gran parte de esto se centra en el reconocimiento de que un DAW cargado en una computadora portátil permite a los profesionales brindar oportunidades de composición y escritura de canciones accesibles pero razonablemente sofisticadas en casi cualquier entorno.

Controladores

Los controladores son interfaces físicas que (en su mayoría) no producen ningún sonido por sí mismas, pero se utilizan para controlar software u otras fuentes de sonido. Estos se pueden dividir en dos categorías principales: controladores de DJ y controladores de producción / interpretación. Los controladores de DJ se utilizan para sustituir o simular tocadiscos, donde la música proviene de una computadora en lugar de discos o CD. la idea de que los DJ y los beatmakers que usan computadoras pueden esconderse detrás de una y presionar “reproducir” sin realmente realizar ninguna actuación. Por tanto, los controladores proporcionan a los DJ que utilizan computadoras una pieza física de equipo que se puede conectar a su computadora a través de USB-MIDI para manipular o “interpretar” la música que están reproduciendo.

En lugar de simular específicamente el papel de un tocadiscos (es decir, mezclar canciones pregrabadas), los controladores de producción / interpretación se utilizan para componer ritmos o interpretar los ritmos reales en un formato en vivo. Los ejemplos básicos de controladores de producción incluyen Sample Pad que están diseñados solo para controlar software de computadora a través de conexiones USB-MIDI o incluso un teclado MIDI. Nuevamente, este equipo en sí mismo no produce ningún sonido a menos que esté conectado a otra fuente de sonido. Un controlador de interpretación puede incluir estas funciones de pad o teclado, pero en lugar de tocar un solo sonido o nota, se pueden utilizar para “disparar” o “lanzar” una variedad de bucles y muestras, a menudo llamados “clips”, que se pueden combinar y cambiar para reproducir las diferentes partes de una canción. Más comúnmente, esto se logra a través de una cuadrícula de botones o almohadillas de goma (por ejemplo, Ableton “Push” o Novation “Launchpad”) que se asignan a diferentes clips.

EMPI basados ​​en gestos

A medida que el movimiento del controlador ha progresado, los ingenieros y los creadores de ritmos han creado una gama cada vez más inventiva de dispositivos y tecnologías de control para capturar movimientos basados ​​en gestos generando una cultura innovadora de diseño de controladores de bricolaje que está en constante evolución. En primer lugar, estos EMPI suelen estar diseñados para minimizar la necesidad de formación musical tradicional y facilitar la accesibilidad casi instantánea, o al menos intuitiva, a la expresión musical. Por lo tanto, este equipo ofrece accesibilidad tanto a clientes con poca formación musical como con capacidad física o mental limitada, sin dejar de ser relevante para la cultura musical contemporánea. En segundo lugar, hay una gama de tecnologías basadas en gestos fácilmente disponibles en EMPI disponibles comercialmente.

EMPI “todo en uno” frente a autónomos

Cabe señalar que algunos EMPI tienen una sola tarea, instrumento o función. Por ejemplo, las cajas de ritmos de estilo Roland TR-808, así como la mayoría de los sintetizadores, están diseñadas para crear una parte dedicada de una canción. Como un instrumento acústico más tradicional, estos pueden considerarse como una parte de un conjunto. Sin embargo, muchos EMPI en el mercado son capaces de realizar una amplia gama de tareas y crear una canción completa. Por ejemplo, algunas versiones de hardware de Akai MPC y Korg Kaoss Pads, así como EMPI como Korg Electribe, Roland SP-404 y Novation Circuit tienen la capacidad de tocar, grabar y arreglar melodías y partes de batería para formar partes completas canciones. Los DAW también son capaces de crear pistas completas.

La subyugación de la creación de ritmos como práctica musical también tiene implicaciones importantes desde una perspectiva de justicia social.

Como se describió anteriormente, el beatmaking proviene del Hip Hop, una cultura que no solo habla a numerosas comunidades marginadas de todo el mundo, sino que en su esencia está arraigada en la experiencia de la diáspora africana en los EE. UU. Posicionar las prácticas musicales del Hip Hop y géneros relacionados como menos que, juega un papel en la perpetuación de los sistemas de opresión experimentados durante mucho tiempo por estas comunidades.

El beatmaking tiene una rica historia que se entrelaza con algunas de las prácticas musicales más innovadoras y culturalmente relevantes de nuestro tiempo. Además, los instrumentos asociados tienen un valor que puede considerarse igual al de sus contrapartes acústicas, tanto en su musicalidad como en su atractivo estético.

Al desarrollar una comprensión de los contextos, los instrumentos y la importancia del beatmaking, descubrimos un nuevo mundo musical lleno de aprendizajes autodidactas, continuos y compartidos entre todos. El camino continúa en expansión.